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Les images les plus étranges

Les images les plus étranges

Les beaux-arts sont capables de donner toute une gamme d'émotions. Certaines peintures sont entourées d'énigmes mystiques, tandis que dans d'autres, l'essentiel est leur prix prohibitif.

Il existe de nombreuses images étranges dans l'histoire de la peinture mondiale. Et bien que le concept même d'étrangeté soit subjectif, on peut distinguer ces œuvres bien connues qui se détachent clairement de la ligne générale.

Edvard Munch "Le cri". L'œuvre de 91x73,5 cm a été créée en 1893. Munch l'a peint à l'huile, au pastel et à la tempera; aujourd'hui, le tableau est conservé à la Galerie nationale d'Oslo. La création de l'artiste est devenue un repère pour l'impressionnisme, c'est généralement l'une des peintures les plus célèbres au monde aujourd'hui. Munch lui-même a raconté l'histoire de sa création: "Je marchais le long du chemin avec deux amis. À ce moment-là, le soleil se couchait. Soudain, le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, me sentant épuisé, et je me suis penché sur la clôture. J'ai regardé le sang et les flammes sur le bleuâtre. - un fiord noir et une ville. Mes amis ont continué, et je me tenais toujours debout, tremblant d'excitation, sentant le cri sans fin transpercer la nature. " Il existe deux versions de l'interprétation du sens tiré. On peut considérer que le personnage représenté est saisi d'horreur et hurle silencieusement, pressant ses mains contre ses oreilles. Une autre version dit que l'homme a fermé ses oreilles à cause du cri hurlant autour de lui. Au total, Munch a créé jusqu'à 4 versions de "Scream". Certains experts estiment que ce tableau est une manifestation classique de la psychose maniaco-dépressive dont souffre l'artiste. Lorsque Munch a été traité à la clinique, il n'est jamais revenu sur cette toile.

Paul Gauguin "D'où venons-nous? Qui sommes-nous? Où allons-nous?" Au Boston Museum of Fine Arts, vous trouverez cette œuvre impressionniste de 139,1 x 374,6 cm, peinte à l'huile sur toile en 1897-1898. Ce travail profond a été écrit par Gauguin à Tahiti, où il s'est retiré de l'agitation de la vie parisienne. La peinture est devenue si importante pour l'artiste qu'après son achèvement, il a même voulu se suicider. Gauguin croyait qu'elle était la meilleure sur la tête qu'il avait créée auparavant. L'artiste pensait qu'il ne serait pas en mesure de créer quelque chose de meilleur ou de similaire, il n'avait simplement plus rien à faire. Gauguin vécut encore 5 ans, prouvant la véracité de ses jugements. Il a lui-même dit que sa photo principale devait être vue de droite à gauche. Il y a trois groupes principaux de figures dessus, qui personnifient les questions avec lesquelles la toile est intitulée. Trois femmes avec un enfant montrent le début de la vie, au milieu les gens symbolisent la maturité, la vieillesse est représentée par une femme âgée qui attend sa mort. Il semble qu'elle a accepté cela et qu'elle pense à quelque chose qui lui est propre. À ses pieds se trouve un oiseau blanc, symbolisant l'insignifiance des mots.

Pablo Picasso "Guernica". La création de Picasso est conservée au musée Reina Sofia de Madrid. Un grand tableau, 349 par 776 cm, peint à l'huile sur toile. Cette peinture murale a été créée en 1937. La photo raconte le raid de pilotes volontaires fascistes sur la ville de Guernica. À la suite de ces événements, la ville de 6 000 habitants a été complètement rasée. L'artiste a créé cette image en seulement un mois. Dans les premiers temps, Picasso travaillait pendant 10 à 12 heures, dans ses tout premiers croquis l'idée principale était déjà visible. En conséquence, l'image est devenue l'une des meilleures illustrations de toutes les horreurs du fascisme, de la cruauté et du chagrin humain. Dans "Guernica", vous pouvez voir une scène d'atrocité, de violence, de mort, de souffrance et d'impuissance. Bien que les raisons ne soient pas explicitement énoncées, elles ressortent clairement de l'histoire. On raconte qu'en 1940, Pablo Picasso fut même convoqué à la Gestapo à Paris. On lui a immédiatement demandé: "L'avez-vous fait?" A quoi l'artiste a répondu: "Non, tu l'as fait."

Jan van Eyck "Portrait du couple Arnolfini". Ce tableau a été peint en 1434 à l'huile sur bois. Les dimensions du chef-d'œuvre sont de 81,8 x 59,7 cm et il est conservé à la London National Gallery. Vraisemblablement, la peinture représente Giovanni di Nicolao Arnolfini avec sa femme. L'œuvre est l'une des plus difficiles de l'école de peinture occidentale de la Renaissance nordique. Cette peinture célèbre contient un grand nombre de symboles, d'allégories et d'indices divers. Qu'il n'y a que la signature de l'artiste "Jan van Eyck était ici". En conséquence, la peinture n'est pas seulement une œuvre d'art, mais un véritable document historique. Après tout, il dépeint un événement réel capturé par van Eyck. Cette image est récemment devenue très populaire en Russie, car à l'œil nu, la similitude d'Arnolfini avec Vladimir Poutine est perceptible.

Mikhail Vrubel "Démon assis". Ce chef-d'œuvre de Mikhail Vroubel, peint par lui à l'huile en 1890, est conservé à la galerie Tretiakov. Les dimensions de la toile sont de 114x211 cm, le démon représenté ici est surprenant. Il apparaît comme un jeune homme triste aux cheveux longs. Habituellement, les gens ne représentent pas les mauvais esprits de cette façon. Vroubel lui-même, à propos de sa peinture la plus célèbre, a déclaré que, selon sa compréhension, le démon n'est pas tant un esprit mauvais qu'un esprit souffrant. En même temps, on ne peut pas lui refuser l'autorité et la dignité. Le démon de Vroubel est une image, avant tout, de l'esprit humain, qui règne en nous dans une lutte constante avec nous-mêmes et des doutes. Cette créature, entourée de fleurs, joignit tragiquement ses mains, ses grands yeux regardent tristement au loin. L'ensemble de la composition exprime la contrainte de la figure du démon. Il semble être coincé dans cette image entre le haut et le bas du cadre photo.

Vasily Vereshchagin "L'apothéose de la guerre". Le tableau a été peint en 1871, mais l'auteur semblait y prévoir les horreurs des futures guerres mondiales. La toile de 127x197 cm est conservée dans la galerie Tretyakov. Vereshchagin est considéré comme l'un des meilleurs peintres de combat de la peinture russe. Cependant, il n'a pas écrit de guerres et de batailles parce qu'il les aimait. L'artiste a tenté de transmettre aux gens son attitude négative envers la guerre au moyen des beaux-arts. Une fois, Vereshchagin a même promis de ne plus peindre de tableaux de bataille. Après tout, le peintre a pris la douleur de chaque soldat blessé et tué trop près de son cœur. Le résultat d'une telle attitude sincère à ce sujet a été "L'apothéose de la guerre". Une image terrible et fascinante représente une montagne de crânes humains dans un champ entouré de corbeaux. Vereshchagin a créé une toile émotionnelle, derrière chaque crâne dans un énorme tas est tracée l'histoire et le destin des individus et des personnes proches d'eux. L'artiste lui-même a sarcastiquement appelé cette image une nature morte, car elle représente une nature morte. Tous les détails de "L'apothéose de la guerre" crient à la mort et au vide, on le voit même sur le fond jaune de la terre. Et le bleu du ciel ne fait qu'accentuer la mort. L'idée des horreurs de la guerre est soulignée par des impacts de balles et des marques de sabre sur les crânes.

Grant Wood "American Gothic". Ce petit tableau mesure 74 sur 62 cm, il a été créé en 1930 et est maintenant conservé à l'Art Institute of Chicago. La peinture est l'un des exemples les plus célèbres de l'art américain du siècle dernier. Déjà à notre époque, le nom «American Gothic» est souvent évoqué dans les médias. La peinture représente un père plutôt sombre et sa fille. De nombreux détails parlent de la gravité, du puritanisme et de l'ossification de ces personnes. Ils ont des visages mécontents, une fourche agressive au milieu de la photo et les vêtements du couple sont démodés même selon les normes de l'époque. Même la couture sur les vêtements du fermier suit la forme d'une fourche, doublant la menace pour ceux qui empiètent sur son style de vie. Les détails de l'image peuvent être étudiés à l'infini, ressentant une gêne physique. Il est intéressant de noter qu'à un moment donné, lors d'un concours au Chicago Institute of the Arts, l'image a été acceptée par les juges comme humoristique. Mais les gens de l'Iowa ont offensé l'artiste pour les avoir exposés dans une perspective aussi peu attrayante. Le modèle de la femme était la sœur de Wood, mais le prototype de l'homme en colère était le dentiste du peintre.

René Magritte "Amoureux". Le tableau a été peint en 1928 à l'huile sur toile. Cependant, il existe deux options. Dans l'un d'eux, un homme et une femme s'embrassent, seules leurs têtes sont enveloppées de tissu blanc. Dans une autre version de l'image, les amoureux regardent le spectateur. Dessiné et surprenant, et envoûtant. Les figures sans visage symbolisent l'aveuglement de l'amour. On sait que les amoureux ne voient personne autour, mais nous ne pouvons pas voir leurs vrais sentiments. Même les uns pour les autres, ces personnes, aveuglées par les sentiments, sont en fait un mystère. Et bien que le message principal de l'image semble clair, les "amoureux" vous font quand même les regarder et penser à l'amour. En général, presque toutes les peintures de Magritte sont des énigmes, qui sont complètement impossibles à résoudre. Après tout, ces toiles soulèvent les principales questions sur le sens de notre vie. En eux, l'artiste parle de la nature illusoire de ce que nous voyons, du fait qu'il y a beaucoup de choses mystérieuses autour de nous que nous essayons de ne pas remarquer.

Marc Chagall "Marche". La peinture a été peinte à l'huile sur toile en 1917, elle est maintenant conservée dans la galerie nationale Tretiakov. Dans ses œuvres, Marc Chagall est généralement sérieux, mais ici il s'est permis de montrer des sentiments. Le tableau exprime le bonheur personnel de l'artiste, il est plein d'amour et d'allégories. Son "Walk" est un autoportrait, où Chagall a dépeint sa femme Bella à côté de lui. Son élue plane dans le ciel, elle s'apprête à y entraîner l'artiste, qui s'est déjà presque levé du sol, ne la touchant que du bout de ses chaussures. Dans l'autre main de l'homme est une mésange. On peut dire que c'est ainsi que Chagall a dépeint son bonheur. Il a une grue dans le ciel sous la forme d'une femme bien-aimée et une mésange dans les mains, par laquelle il voulait dire son travail.

Jérôme Bosch "Le jardin des délices terrestres". Cette toile de 389x220 cm est conservée au Musée espagnol du droit. Bosch a peint une peinture à l'huile sur bois dans les années 1500-1510. Il s'agit du triptyque Bosch le plus célèbre, bien que le tableau comporte trois parties, il porte le nom de celui du centre, dédié à la volupté. Il y a des débats constants autour de la signification d'une image étrange, il n'y a pas une telle interprétation qui serait reconnue comme la seule correcte. L'intérêt pour le triptyque provient des nombreux petits détails qui expriment l'idée principale. Il y a des figures translucides, des structures inhabituelles, des monstres, des cauchemars et des visions incarnés et des variations infernales de la réalité. L'artiste a pu regarder tout cela avec un regard pointu et recherché, ayant réussi à combiner des éléments dissemblables dans une seule toile. Certains chercheurs ont tenté de voir dans l'image un reflet de la vie humaine, que l'auteur a montré en vain. D'autres ont trouvé des images d'amour, quelqu'un a découvert le triomphe de la volupté. Il est cependant douteux que l'auteur ait tenté de glorifier les délices charnels. Après tout, les personnages sont représentés avec un détachement froid et une innocence. Et les autorités ecclésiastiques ont réagi assez favorablement à cette image de Bosch.

Gustav Klimt "Trois âges de femmes". Cette peinture est située dans la Galerie nationale romaine d'art moderne. La toile carrée de 180 cm de large a été peinte à l'huile sur toile en 1905. Cette image exprime à la fois la joie et la tristesse. L'artiste en trois personnages a pu montrer toute la vie d'une femme. Le premier, encore enfant, est extrêmement insouciant. Une femme mûre exprime la paix et le dernier âge symbolise le désespoir. Dans le même temps, le moyen âge est organiquement tissé dans l'ornement de vie, et l'ancien se démarque nettement dans son arrière-plan. Le contraste clair entre une jeune femme et une femme plus âgée est symbolique. Si l'épanouissement de la vie s'accompagne de nombreuses opportunités et changements, la dernière phase est une constance enracinée et un conflit avec la réalité. Une telle image attire l'attention et fait réfléchir sur l'intention de l'artiste, sa profondeur. Il contient toute vie avec son inéluctabilité et ses métamorphoses.

Egon Schiele "La famille". Cette toile mesure 152,5x162,5 cm, peinte à l'huile en 1918. Il est maintenant conservé dans le Belvédère de Vienne. Le professeur de Schiele était Klimt lui-même, mais l'élève n'essayait pas du tout de le copier avec diligence, cherchant ses propres méthodes d'expression. Nous pouvons affirmer avec certitude que les œuvres de Schiele sont encore plus tragiques, effrayantes et étranges que celles de Klimt. Certains éléments aujourd'hui seraient appelés pornographiques, il y a beaucoup de perversions différentes, le naturalisme est présent dans toute sa beauté. Dans le même temps, les peintures sont littéralement imprégnées d'une sorte de désespoir douloureux. Le summum de l'œuvre de Schiele et de sa peinture la plus récente est "La famille". Dans cette toile, le désespoir est porté au maximum, alors que l'œuvre elle-même s'est avérée la moins étrange pour l'auteur. Après que sa femme enceinte Schiele soit décédée de la grippe espagnole, et peu de temps avant sa mort, ce chef-d'œuvre a été créé. Seulement 3 jours se sont écoulés entre les deux décès, ils ont suffi à l'artiste pour se représenter avec sa femme et son enfant à naître. À cette époque, Schiele n'avait que 28 ans.

Frida Kahlo "Deux Frida". L'image est née en 1939. L'artiste mexicaine Frida Kahlo est devenue célèbre après la sortie d'un film sur elle avec Salma Hayek dans le rôle titre. Le travail de l'artiste est basé sur ses autoportraits. Elle a elle-même expliqué ce fait comme suit: "Je m'écris parce que je passe beaucoup de temps seule et parce que je suis le sujet que je connais le mieux." Il est intéressant de noter que Frida ne sourit dans aucun de ses tableaux. Son visage est sérieux, voire un peu triste. Des sourcils touffus fusionnés et des antennes à peine visibles au-dessus des lèvres comprimées expriment le maximum de gravité. Les idées des peintures résident dans les figures, l'arrière-plan et les détails de ce qui entoure Frida. Le symbolisme des peintures est basé sur les traditions nationales du Mexique, étroitement liées à la vieille mythologie indienne. "Two Frida" est l'une des meilleures photos de la femme mexicaine. Dans celui-ci, les principes masculins et féminins sont affichés de manière originale, ayant un seul système circulatoire. Ainsi, l'artiste a montré l'unité et l'intégrité de ces deux opposés.

Claude Monet "Pont de Waterloo. Effet de Brouillard". Cette peinture de Monet se trouve dans l'ermitage de Saint-Pétersbourg. Il a été peint à l'huile sur toile en 1899. En examinant de plus près l'image, elle apparaît comme une tache violette avec des traits épais appliqués dessus. Cependant, en s'éloignant de la toile, le spectateur comprend toute sa magie. D'abord, de vagues demi-cercles passant par le centre de l'image deviennent visibles, les contours des bateaux apparaissent. Et à une distance de quelques mètres, vous pouvez déjà voir tous les éléments de l'image, qui sont connectés dans une chaîne logique.

Jackson Pollock "Numéro 5, 1948". Pollock est un classique du genre de l'expressionnisme abstrait. Son tableau le plus célèbre est le plus cher du monde aujourd'hui. Et l'artiste l'a peint en 1948, renversant simplement de la peinture à l'huile sur un panneau de fibres de 240x120 cm au sol. En 2006, ce tableau a été vendu chez Sotheby's pour 140 millions de dollars. L'ancien propriétaire, collectionneur et producteur de films David Giffen, l'a vendu au financier mexicain David Martinez. Pollock a déclaré qu'il avait décidé de s'éloigner des outils d'artistes familiers tels que le chevalet, les peintures et les pinceaux. Ses outils étaient des bâtons, des couteaux, des pelles et de la peinture. Il en a également utilisé un mélange avec du sable ou même du verre brisé. Commencer à créer. Pollock s'abandonne à l'inspiration, ne réalisant même pas ce qu'il fait. Ce n'est qu'alors que vient la réalisation du parfait. En même temps, l'artiste n'a pas peur de détruire l'image ou de la changer par inadvertance - l'image commence à vivre sa propre vie. La tâche de Pollock est de l'aider à naître, à sortir.Mais si le maître perd le contact avec sa création, le résultat sera le chaos et la saleté. En cas de succès, la peinture incarnera l'harmonie pure, la facilité de recevoir et d'incarner l'inspiration.

Joan Miró "Un homme et une femme devant un tas d'excréments." Cette peinture est maintenant conservée dans la collection de l'artiste en Espagne. Il a été peint à l'huile sur une feuille de cuivre en 1935 en seulement une semaine du 15 au 22 octobre. La taille de la création n'est que de 23x32 cm Malgré un titre aussi provocateur, l'image parle des horreurs des guerres civiles. L'auteur lui-même a ainsi dépeint les événements de ces années se déroulant en Espagne. Miro a essayé de montrer une période d'inquiétude. Sur la photo, vous pouvez voir l'homme et la femme immobiles, qui, néanmoins, sont attirés l'un par l'autre. La toile est saturée de fleurs venimeuses inquiétantes, avec des organes génitaux élargis, elle a l'air délibérément dégoûtante et dégoûtante sexy.

Jacek Jerka "Erosion". Dans les œuvres de ce néo-surréaliste polonais, les images de la réalité, entrelacées, font naître une nouvelle réalité. À certains égards, même les images touchantes sont extrêmement détaillées. Ils ressentent les échos des surréalistes du passé, de Bosch à Dali. Yerka a grandi dans une atmosphère d'architecture médiévale, qui a miraculeusement survécu aux bombardements de la Seconde Guerre mondiale. Il a commencé à dessiner avant même d'entrer à l'université. Ils ont essayé de changer son style pour un style plus moderne et moins détaillé, mais Yerka lui-même a conservé son individualité. Aujourd'hui, ses peintures inhabituelles sont exposées non seulement en Pologne, mais aussi en Allemagne, en France, à Monaco et aux États-Unis. On les retrouve dans de nombreuses collections à travers le monde.

Bill Stoneham "Les mains lui résistent". La peinture, peinte en 1972, n'est guère une peinture classique. Cependant, il ne fait aucun doute qu'elle est l'une des créations les plus étranges des artistes. La peinture représente un garçon, à côté de lui une poupée, et de nombreuses paumes sont pressées contre le verre par derrière. Cette toile est étrange, mystérieuse et quelque peu mystique. Il est déjà envahi par les légendes. Ils disent qu'à cause de cette image, quelqu'un est mort et les enfants qui y figurent sont vivants. Elle a l'air vraiment effrayante. Il n'est pas surprenant que le tableau évoque des peurs et des fantasmes étranges pour les personnes à la mentalité malade. Stoneham lui-même a assuré qu'il s'était peint à l'âge de 5 ans. La porte derrière le garçon est la barrière entre la réalité et le monde des rêves. La poupée, quant à elle, est un guide qui peut emmener un enfant d'un monde à un autre. Les mains sont des vies alternatives ou des capacités humaines. Le tableau est devenu célèbre en février 2000. Il a été mis en vente sur eBay, disant qu'il a des fantômes. En fin de compte, Hands Resist Him a été acheté pour 1025 $ par Kim Smith. Bientôt, l'acheteur a été littéralement inondé de lettres avec des histoires effrayantes associées à la peinture et demande de détruire cette toile.


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